Một phần của việc trở thành một nghệ sĩ, đặc biệt là một nhạc sĩ, là tự kỹ thuật vĩnh viễn. Việc tạo và thay đổi hình ảnh của một người đi đôi với âm nhạc của một người, cách nó được tiếp thị, cách một người trải nghiệm và cách họ kết nối với khán giả. Đại dịch Covid-19 đã thúc đẩy các nghệ sĩ tái tạo lại bản thân theo những cách nội tâm từ việc phải sản xuất một cách cô lập; và điều này đã chứng tỏ sự phân cực mà chúng ta sẽ đạt được vào năm 2021.
Bài viết liên quan: Nhìn lại sự phát triển phong cách của Olivia Rodrigo từ các video âm nhạc của cô ấy
Ở cấp độ vĩ mô, ngày nay có vẻ giống như thời của những người theo chủ nghĩa tối đa, với những Mèo Doja, Lil Nas X, Megan Thee Stallion, Lisa và Dua Lipa đứng đầu bảng xếp hạng khi mặc những bộ thời trang thái quá và khoa trương nhất trong các video ca nhạc và màn trình diễn cũng như trên thảm đỏ. Tuy nhiên, ở cấp độ vi mô, chính các nhạc sĩ làm điều hoàn toàn ngược lại mới là người nổi bật – với việc đơn giản hóa trở thành phương thức hoạt động để tạo dấu ấn trong một ngành công nghiệp quá bão hòa. Tự phản chiếu, hoài cổ, thoát tục, phục hồi và vượt thời gian là những chủ đề quan trọng trong các album được giới phê bình đánh giá cao nhất của nhạc pop — đi kèm với sở thích là hình ảnh thô, bảng màu đơn sắc và phong cách sạch sẽ. Như người ta nói, ít hơn là nhiều hơn.
Bài viết liên quan: Dua Lipa ra mắt đường băng tại show diễn tuần lễ thời trang Milan của Versace
Giữa năm 2020, chúng tôi đã Taylor Swiftđược giới phê bình hoan nghênh Văn học dân gian– khác xa với nhạc pop trắng trợn trước đây của cô ấy. Cô ấy đã đưa thẩm mỹ cottagecore lên hàng đầu, hoàn hảo vào thời điểm mà hầu hết thế giới đều mắc kẹt ở nhà, rút lui để chơi Animal Crossing, mặc một chiếc kính râm thoải mái và mua ít đồ trang điểm hơn. Đầu năm nay, chúng ta đã thấy Billie eilish rũ bỏ vẻ ngoài e-girl đặc trưng của mình, loại bỏ gốc rễ màu xanh lá cây neon và trở thành một vỏ bom màu vàng. Sự thay đổi này đã đến đầy đủ với việc phát hành album vào tháng 7 của cô ấy Hạnh phúc hơn bao giờ hết, giới thiệu âm thanh rõ ràng hơn, nhịp điệu downtempo và ảnh hưởng của nhạc jazz — hoàn toàn trái ngược với album có nhiều bẫy, lạc quan trước đây của cô When We Fall Asleep, Where Do We Go? (2019). Và gần đây nhất, LordeBài hát thương hiệu của đã chuyển hướng hoàn toàn sang sự lạc quan trong Điện mặt trời (2021), theo chủ nghĩa tối đa Melodrama (2017). Khi cô ấy viết “Tất cả các bạn sẽ thấy tôi biến mất trong ánh mặt trời …” trong album năm 2017, cô ấy thực sự muốn nói điều đó: Thời trang gothic thông thường của cô ấy đã nhường chỗ cho vẻ ngoài rạng rỡ, chói mắt cho bản phát hành năm 2021 của cô ấy (hãy nghĩ rằng màu vàng sáng hai- từng mảnh Christopher Esber cô ấy đã mặc cho video âm nhạc của ca khúc chủ đề).
Bài viết liên quan: Gặp gỡ Alex Landi, Phi hành gia trên Mèo Doja và Video ‘Kiss Me More’ của SZA
Gọi đơn giản hiện tượng này là chủ nghĩa tối giản sẽ không hoàn toàn chính xác. Trên thực tế, sẽ rất khó hiểu khi thấy rằng Chủ nghĩa tối giản xuất hiện tách biệt trong âm nhạc và nghệ thuật với thời trang. Chủ nghĩa trung thành văn hóa ngày nay song song với một chủ nghĩa duy nhất vào buổi bình minh của thế kỷ 20: Chủ nghĩa Purism (1918 – 1925), phong trào nghệ thuật và kiến trúc do các họa sĩ và nhà điêu khắc lãnh đạo. Amédée Ozenfant, và kiến trúc sư Le Corbusier. Ra đời như một sự chỉ trích chủ nghĩa Lập thể, Purism đã đưa sự tập trung trở lại sơ khai với các hình thức đơn giản hóa không có trang trí và công nghệ bao trùm. Một phần của tuyên ngôn Purism viết: “Một nghệ thuật nghiêm túc phải trục xuất mọi kỹ thuật không trung thành với giá trị thực của quan niệm” và “kỹ thuật chỉ là một công cụ, phục vụ một cách khiêm tốn cho quan niệm”. Nguyên tắc được áp dụng trong âm nhạc: Để được thực hiện một cách nghiêm túc, để thể hiện quyền uy, sự rõ ràng và đi về cội nguồn, người ta phải loại bỏ những trang trí không cần thiết. Đây là cách các công trình vĩ đại đã vượt qua thử thách của thời gian: Bằng cách đi vào cốt lõi.
Bài viết liên quan: Giải thưởng Woolmark Quốc tế khai thác Sức mạnh sáng tạo của Solange Knowles
Các nhạc sĩ như Kanye West hiểu điều này – trên thực tế, vào năm 2013, West đã thực sự trích dẫn Le Corbusier là một trong những nguồn cảm hứng lớn nhất của anh ấy khi anh ấy làm việc cho album đầu tay của mình Yeezus. Tây tiết lộ với Thời báo New York rằng “chiếc đèn Corbusier này giống như nguồn cảm hứng lớn nhất của tôi. Tôi đã sống ở Paris trong không gian gác xép này và ghi âm trong phòng khách của tôi, và nó chỉ có âm thanh tồi tệ nhất có thể … các bài hát phải cực kỳ đơn giản vì nếu bạn bật một số âm thanh phức tạp và một bản nhạc có quá nhiều âm trầm, nó sẽ không thành công để làm việc trong không gian đó. ” Chỉ 15 ngày trước khi phát hành, anh ấy nổi tiếng đã hướng dẫn cụ thể Rick Rubin, nhà sản xuất điều hành của album, để loại bỏ toàn bộ. Kết quả? Âm thanh mài mòn — hung hăng, mạnh mẽ, tổng hợp, nổi loạn, phức tạp. Lou Reed của The Velvet Underground đã khen ngợi album trên Người giám hộ, viết: “Mọi người nói rằng album này là tối thiểu. Và vâng, nó là tối thiểu. Nhưng các bộ phận là tối đa. ” Hãy xem xét các phần: Album được đóng gói không có bìa; West nổi tiếng ủy thác Maison Margiela để tạo ra những chiếc mặt nạ tùy chỉnh và trang phục sẵn sàng để mặc cho chuyến lưu diễn của anh ấy; tiết mục của anh ấy bao gồm áo khoác denim, áo khoác bomber và áo phông đau khổ – chủ yếu, trung tính, ẩn danh, nhưng rất dễ nhận biết.
Tầm ảnh hưởng của West đã tràn ngập văn hóa đại chúng kể từ đó. Chỉ hai năm sau, anh ấy tung ra Yeezy với adidas là sự tiếp nối của phong cách này, cuối cùng đã hình thành nên các xu hướng thời trang dạo phố ngày nay: cơ bản sang trọng, kín đáo; thể thao; điểm định mức; người cha; và những gì chúng ta hiện nay gọi là gorpcore, kết hợp thiết bị ngoài trời kỹ thuật, với các thương hiệu như Arc’teryx và Salomon đạt mức phổ biến cao nhất. Khi anh ấy nói với Jimmy Kimmel vào năm 2015, “Khi tôi làm Nike Yeezy hoặc một đôi giày Louis Vuitton, quá trình sản xuất cũng giống như khi tôi làm CD của mình.” Trong khi các nhà thiết kế như Haider Ackermann và Rick Owens đã thiết lập kế hoạch chi tiết trong nhiều năm, West trở thành cỗ máy thúc đẩy ý tưởng của họ đến với công chúng, cuối cùng thống nhất lĩnh vực xa xỉ, thế giới thời trang dạo phố và các thị trường chưa được khai thác — Yeezy Boosts đã bán hết trong vòng vài phút, cũng như 120 đô la Mỹ màu trắng (khoảng $ 162) áo thun từ sự hợp tác của anh ấy với APC Anh ấy thậm chí còn báo trước thời đại Donda hiện tại của mình, tweet vào năm 2016, “Tôi sẽ ăn cắp Demna từ Balenciaga.”Và anh ấy, theo một cách nào đó – nhà thiết kế đã có công trong việc dàn dựng diện mạo của thời đại Donda của West, từ hướng sáng tạo của các bữa tiệc nghe đến những bộ trang phục lan truyền của West và Kim Kardashian-West.
Một album thay đổi game khác là Solange‘S A Seat at the Table (2016), đánh dấu sự chuyển mình từ ca sĩ sang có tầm nhìn nghệ thuật, giám sát mọi khía cạnh sáng tạo của quá trình sản xuất. Khi hình dung album cá nhân vô cùng ấn tượng, Solange đã làm việc với nghệ sĩ Tây Ban Nha Carlota Guerrero, người đóng vai trò là nhiếp ảnh gia và giám đốc nghệ thuật. Solange giải thích với em gái của cô ấy, Beyoncé, trong Buổi phỏng vấn tạp chí cô ấy muốn bìa album truyền đạt thông tin như thế nào, “qua ánh mắt và tư thế của tôi,“ Hãy đến và lại gần… Nó sẽ hơi dữ dội và nó có thể trở nên căng thẳng một chút, nhưng đó là một cuộc trò chuyện mà chúng ta cần phải có. ” Nó mô tả Solange như một nàng Mona Lisa hiện đại đang cài sóng, với những chiếc kẹp vẫn còn trên tóc. “Điều thực sự quan trọng là phải cho thấy lỗ hổng và sự không hoàn hảo của quá trình chuyển đổi— những clip đó cho thấy… hãy giữ nó lại cho đến khi bạn có thể sang được phía bên kia.”
Khi tôi về nhà (2019) tiếp nối nét thẩm mỹ thô sơ này với nhiều kiểu dáng tương lai hơn thể hiện âm thanh tối giản hơn. Nhà tạo mẫu của Solange, bao gồm Kyle Lou và Mecca-James Williams, kết hợp các mảnh thời trang cao cấp với các mặt hàng chủ lực thông thường để tạo ra một tầm nhìn đương đại, Đen về Texas — hãy nghĩ đến kho lưu trữ Mugler và Gucci của Tom Ford; các mục yêu thích độc lập chẳng hạn như Isa Boulder, Dion Lee, Arturo Obegero và Telfar; phụ kiện và đồ trang sức từ Manuel Barran, Esmay Wagemans, Yifang Gao và Zana Bayne; và đôi khi, một cặp Levi’s, đôi bốt cao bồi thịnh hành và nội y được đưa vào hỗn hợp.
Cũng cần lưu ý quy mô mà các nghệ sĩ này đang sản xuất, vì nó thể hiện sức mạnh của họ và cuối cùng là phóng đại bản sắc sáng tạo của họ. Điều này đã tạo ra điểm số sùng bái ngày nay, một nét thẩm mỹ có thể nhìn thấy khi các nhóm lớn tham gia. Solange đã sản xuất một bộ phim ngoạn mục cho album của mình, với hơn 100 nghệ sĩ múa phụ họa trong một số cảnh. Dịch vụ Chủ nhật của Kanye West đã được coi là một giáo phái đúng nghĩa. Điểm tương đồng cũng rõ ràng trong các video âm nhạc “Lost Cause” của Billie Eilish và “Solar Power” của Lorde, có các phần bổ sung được phối hợp màu sắc và được dàn dựng chặt chẽ. Khi một người tạo ra một sự đồng nhất, sự đồng nhất có xu hướng xảy ra, nhưng những nghệ sĩ này không làm điều đó; trên thực tế, họ đang công khai tôn vinh sự đa dạng. Mỗi người thể thao biến thể trong kiểu tóc; quần áo của họ khác nhau ở những đường cắt và hình bóng trong một bảng màu được kiểm soát, tắt tiếng — cho phép một mức độ cá nhân trong một tập thể đồng thời hòa nhập nghệ sĩ với đám đông.
Sự đơn giản hóa không làm giảm tầm quan trọng của công việc của nghệ sĩ — trên thực tế, nó củng cố chất lượng sáng tạo của họ, khôi phục quyền hạn của họ với tư cách là nghệ sĩ và tập trung vào âm nhạc. Nếu bất cứ điều gì, hai năm qua đã dạy chúng tôi rằng quá tải có hại cho sức khỏe của chúng tôi. Chắc chắn, sự sáng tạo bắt đầu trong bạn, nhưng không có hại gì nếu quần áo thực hiện một số cuộc nói chuyện.
Trả lời